Si l’on connaît surtout Munch pour ses tableaux sombres et angoissés (Le Cri, L’Enfant malade, L’Amour et la Douleur…), on oublie parfois qu’il fut aussi, par intermittence, un peintre de la joie et de la douceur de vivre. Le film rejoue volontiers cette esthétique joyeuse et insouciante, grâce à une photographie irisée et un jeune acteur dont la douceur angélique laisse parfois deviner les tourments futurs du peintre (magnifique Alfred Ekker Strande, dans son premier rôle). Au cours des quatre chapitres du film, qui alternent et se répondent thématiquement, le réalisateur mobilise des procédés variés (noir et blanc intense, naturalisme, caméra portée…) faisant écho aux techniques elles-mêmes diverses utilisée par Munch : fusain, crayon, pastel, huile, toile grattée, matière appliquée au couteau.
“L’émotion est un mode de pensée”
Henrik Martin Dahlsbakken concentre son propos sur l’intériorité de l’artiste, dont les toiles apparaissent finalement peu à l’écran – sauf dans les dernières minutes du film. « L’histoire n’est pas essentielle, l’important est de trouver une sorte de fréquence, une émotion précise », affirme le jeune Munch à une femme écrivaine dont il est amoureux, et qui lui reproche de ne pas s’intéresser suffisamment au réel. « L’émotion est un mode de pensée », répond-il, fâché à l’idée que son art pourrait être réduit à une futile expérience plastique. Souvent présenté comme le père de l’expressionnisme, Munch assure plus loin « voir à travers les masques de tous les êtres ». Ses œuvres tragiques et solennelles dévoilent peut-être mieux que quiconque la vérité douloureuse de la condition humaine.
Le chapitre berlinois du film déroutera peut-être certains spectateurs. Le réalisateur s’amuse en effet, non sans talent, à transposer la vie de Munch dans le Berlin d’aujourd’hui. Le protagoniste est dépeint en hipster à la peine, rejeté par le monde de l’art – comme le fut Munch à la fin du XIXe siècle – qui hurle de rage dans les WC d’une boîte de nuit après une humiliation publique. Une naissance du Cri fantasmée, historiquement fausse mais sans doute fidèle à l’état émotionnel qui a saisi le peintre au moment de dessiner son tableau. « Nous abordons la vie avec sarcasme et ironie, pour maintenir la réalité à distance, au lieu de l’accepter avec sincérité », clame Edvard à un ami qu’il juge trop débonnaire. Munch, ou la défense quasi sacrificielle du premier degré, mais mise au service d’un style fiévreux, extravagant et impudique. Étrange alliage, que le film restitue avec justesse.
Le cliché vrai du génie torturé
Dans le ciel rouge du Cri, se cache une phrase : « Ne peut avoir été peint que par un fou. » Munch l’a lui-même inscrite, probablement après qu’une de ses expositions à Oslo (anciennement appelée Christiania) a fait un scandale. La question de la folie traverse Munch, surtout dans la partie en noir et blanc située à Copenhague. « Au fond, je suis un peu comme vous docteur, je me suis donné comme mission d’aider les autres et moi-même à comprendre les émotions », glisse un Munch dépressif, au bord de l’effondrement, à son psychiatre. Et ce dernier de rétorquer, pour le rassurer, qu’à force d’étudier « l’anatomie mentale des génies », il était persuadé que ces derniers souffraient d’un « déséquilibre spirituel trop souvent confondu avec la folie. » « Goethe était-il fou quand il a écrit Werther ? Kierkegaard ? Ou simplement étaient-ils accablés par l’angoisse, indissociable du génie, comme une fatalité ? »
Le rapport entre génie et folie est, assurément, un cliché de la création artistique. Ce qui est intéressant ici, c’est de voir comment un créateur peut vivre au quotidien cette potentielle condition, et jusqu’où il peut croire à ce topos. Que Munch ait été un artiste tourmenté, torturé même, dès ses plus jeunes années, est un fait indéniable. Mais n’y a-t-il pas aussi, quelque part, une dimension performative dans sa création ? Le plaisir de peindre un ciel en rouge, l’audace d’effacer les visages d’amants enlacés ou la jubilation à contorsionner le sol au point de le transformer en spirale, ces coups de force ne sont-ils pas également des gestes gratuits, des intuitions merveilleuses quant aux possibilités de la matière ? À force de s’entendre dire que son style était trop « nerveux », « maladif » ou « détraqué », on en vient à penser que Munch a peut-être excessivement cru ses détracteurs – comme si sa psyché avait fini par se conformer à ce qu’on croyait savoir de lui.
Extrait de Philosophie magazine, Ariane Nicolas
L'intelligence du parti pris du réalisateur est à la hauteur des audaces de Munch ...
4 étapes de la vie du peintre s'entrecroisent sans volonté chronologique avec une intervention osée de scènes et de musiques plus contemporaines, de la couleur au noir et blanc, de l'image cinématographique à la photo .
Le réalisateur qui était présent pour la diffusion du film explique ce choix afin de souligner la modernité du peintre du pionnier de l'expressionisme , les choix musicaux nous faisant entrer ponctuellement dans son cerveau torturé .
La succession de tableaux présents à la fin de ce long métrage comme un tableau rétrospectif qui nous attend en fin de vie, au passage du seuil ...
Les dialogues enfin, extraits pour certains des correspondances de Munch avec le psychiatre qui l'a suivi lors de son passage dans un sanatorium et après témoigne des réflexions du peintre sur le processus créatif .
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Il est des films à voir et à revoir
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